Medio ambiente

Philippe Squarzoni, Cambio de clima. Un ensayo gráfico (y autobiográfico) sobre el cambio climático (Saison brune, 2018)

Inès Léraud y Pierre Van Hove, Algas verdes. La historia prohibida (Les Algues vertes, l'histoire interdite, 2019)

Vivimos en un mundo ficticio. Una fantasía. Desconectada de la realidad. La prosperidad material que disfrutamos desde hace un par de siglos se ha erigido sobre una energía abundante y barata, sobre la acumulación de bienes de consumo y la destrucción de la naturaleza.

Al igual que el cine y la literatura, el cómic es utilizado habitualmente como soporte del género documental y el ensayo. Como muestra, hemos elegido dos obras recientes sobre el que quizá sea el principal problema que comparte toda la especie humana: nuestra influencia descontrolada sobre los ecosistemas y sus consecuencias sobre la población, generadoras de y agravadas por la desigualdad.

Son relatos complementarios, que eligen caminos algo diferentes pero igual de efectivos: Squarzoni opta por una visión más global y está presente de forma explícita en todo el relato; Léraud y Van Hove parten del caso concreto y son solo una voz periodística, sin rostro visible. Ambos recorren el mismo camino y llegan a las mismas conclusiones, entre las que se pueden destacar:

• Los intereses empresariales, no limitados por o incluso en connivencia con parte del poder político, alimentan un modelo social, apoyado en determinada ideología, que promueve un crecimiento permanente (e insostenible) del consumo, devorador de recursos no renovables.
• Como primer paso para  hacer posible la participación ciudadana efectiva en la toma de decisiones, los medios de comunicación, desde el compromiso social y la vocación educativa, pueden desempeñar un papel clave para llevar al debate público las estrategias opacas de quienes quieren seguir aumentado su riqueza a costa del resto de la población y del planeta.
• La sensibilización y la denuncia ciudadana son imprescindibles como contrapeso de los grupos de presión privados ante las instituciones internacionales, la justicia y el mundo científico.
• Ignorar la complejidad de los sistemas, una visión errónea de la ciencia como actividad que debe realizar predicciones sin matices ni margen de error o la creencia irracional en la omnipotencia humana y en la posibilidad de encontrar soluciones con efectos inmediatos ayudan a quienes desean deslegitimar, a pesar de todas las evidencias, el consenso sobre el cambio climático. También queda reflejada en Algas verdes la tan actual estrategia de culpabilizar o difamar a quien denuncia, con la intención de sembrar dudas sobre su discurso y atraer la atención hacia hechos no relacionados con el tema central.
• Es urgente e imprescindible modificar la economía basada en las finanzas y la dinámica del mercado global -con circuitos de exportación e importación que empobrecen al Sur y enriquecen a unos pocos-.

Y por parte del Gobierno solo se consideraban válidas las propuestas que creaban PIB, dinero, crecimiento. Aunque para resolver el problema de las mareas verdes se tendría que haber hecho lo contrario, reducir la producción.

Pero también hay un vínculo íntimo entre el modelo económico actual y las cualidades individualistas y hedonistas de la sociedad de consumo. Estimulación de los deseos, ansia de rendimiento, productividad, consumismo... Las nociones de crecimiento, rentabilidad o rivalidad implican valores y posturas incompatibles con la moderación que requiere la preservación del clima.

Más allá de estas consideraciones sociopolíticas, los autores consiguen mostrar las consecuencias, tanto físicas como psicológicas, que sufren personas concretas, así como reflejar nuestros habituales debates internos: contradicciones entre toma de conciencia y conducta, el sentido y alcance de las decisiones individuales, la gestión de la angustia...

¿Qué pensáis? ¿Es eficaz la combinación de testimonios personales y científicos? ¿Consiguen exponer con claridad el gran número de datos que recogen en sus largas investigaciones y las complejas relaciones que se dan entre elementos?

En el caso de Cambio de clima, ¿el uso del relato autobiográfico y su reconocimiento del papel del arte a la hora de interpretar la realidad aportan valor y facilitan la implicación emocional?

¿Es todavía factible arreglar parcialmente las cosas o debemos aceptar que somos animales bastante irracionales que hemos metido demasiado la pata? ¿Aceptaremos el decrecimiento como alternativa realista o lo impondrá la situación?

Programación 2023 - 2024

Las y los participantes en la tertulia cómic han elegido, entre veinticuatro temas propuestos, la programación de su próxima edición. Esta vez, coinciden obras que desde diferentes vías -relato autobiográfico, realismo, ficción especulativa, ensayo- abordan los conflictos de nuestras sociedades contemporáneas.

Será la primera ocasión en que nos encontraremos con obras procedentes de Brasil (Fido Nesti, Marcelo Quintanhila) y Cuba (Juan Padrón), volveremos a los superhéroes gracias a uno de los mejores guionistas de la actualidad (Tom King) y nos acercaremos a la narrativa nacional más reciente (Ana Penyas, Elisa Riera)... aunque sobre todo estará presente el cómic francés, con cuatro obras de autores galos.

 

Si tienes interés en participar, puedes ponerte en contacto con la biblioteca. ¡Te esperamos!

 

27 de septiembre de 2022: Medio ambiente
Inès Léraud y Pierre van Hove, Algas verdes

Philippe Squarzoni, Cambio de clima

8 de noviembre: George Orwell

Fido Nesti, 1984
Pierre Christin y Sébastien Verdier, Orwell

 10 de enero de 2023: Angoulême

Marcello Quintanhila, Escucha, hermosa Marcia
Chloé Wary, Temporada de rosas
 

7 de febrero: Capitalismo y desigualdad

Ana Penyas, Todo bajo el sol
Hubert Prolongeau, Cuando el trabajo mata
 

10 de abril: La familia

Tom King, G. H. Walta y J. Bellaire, La Visión
Elisa Riera, La estirpe fracasada

 5 de junio: Autobiografías

Roberto Saviano y Asaf Hanukkah, Todavía estoy vivo
Juan Padrón, Mi vida en Cuba

Verano

David Prudhomme y Pascal Rabaté, ¡Vivan las vacas! (Vive la marée!, 2015)

Alfonso Casas, El final de todos los agostos (2017)

Despedimos la temporada 2022-2023 mirando anticipadamente al ¿deseado 😎 o temido 😰? verano con dos cómics que se acercan a la naturaleza de nuestras relaciones.

-¿Lo conocemos?

-No lo sé, no veo. No llevo los lentes.

-Bah, en vacaciones se saluda a todo el mundo.

-Sí... Total, es gratis.

¡Vivan las vacas! es un largo plano secuencia, con un hábil manejo de los cambios de encuadre, donde se suceden los cruces entre personajes anónimos. Pese a las diferencias sociales, económicas -muy remarcadas a lo largo de las páginas- y de edad, todos forman parte de un colectivo único: los veraneantes. Sin nada en común más allá de un espacio compartido con fecha de caducidad, sus protagonistas no se relacionan, sino que se cruzan; no dialogan, sino que intercambian tópicos (como en la conversación circular que mantienen tanto paseantes como perros en la página 36).

-¿Me escuchas?

-No, estoy mirando. Haciendo sociología... o etnología, no sabría decir.

La perspectiva microsociológica de los autores (quizá los pintores de vallas que ven a todo el mundo pasar, pero son claramente diferentes y no interaccionan con el resto) es tan detallada y atenta como excesivamente crítica y poco comprensiva: en la página 93 quienes pasan un día en la playa son comparados con muñecos. Me incomoda comprobar qué fácil es mostrar lo ridícula que puede ser nuestra conducta grupal cuando no se profundiza en el interior de los personajes.

Al mismo tiempo, Rabaté y Prudhomme parecen muy conscientes de su papel de mirones en un espacio lleno de estímulos, como la niña (páginas 94 a 98) que capta todos los sonidos acumulados en un segundo e intenta modificar un espacio que no es digital-irreal, sino analógico-real.

¿Nos reconocemos en alguno de los caracteres y conductas que describe el cómic? ¿Cómo nos sentimos? Para complementar la lectura de ¡Vivan las vacas!, os recomiendo ver (y disfrutar) Las vacaciones del señor Hulot (Jacques Tati, 1953), con varios puntos en común.... y diferencias, no solo por los sesenta años que las separan.

Y, por supuesto, leed esta entrevista (en francés, pero cualquier traductor online os puede ayudar) a los autores, donde hablan de su proceso creativo en colaboración, la elección del lugar, las influencias artísticas y el carácter de su mirada -que consideran no juzgadora-.

* * *

Es cierto eso que dicen sobre que la vida no es como uno la vivió, sino como la recuerda.

El final de todos los agostos es un relato lleno de sensibilidad. Está presente en la recreación de los espacios a través de una mirada atenta no solo a lo físico sino al tono emocional de cada lugar, en la progresiva construcción de los personajes, en su ritmo sosegado pero intenso y en un recurso narrativo -el uso del papel cebolla para marcar la transición entre pasado y presente- que funciona a la perfección.

Alfonso Casas elude el peligro de crear una historia alimentada solo por la nostalgia de otra época. En este retorno al pasado, dirige nuestra mirada a la influencia del recuerdo sobre las inevitables dudas que genera la complejidad de las relaciones.

En algún momento de nuestras vidas nos damos cuenta de que cualquier elección supone el rechazo de otros caminos, lo que puede generar interminables ¿y si...? Un final abierto (como otros elementos del relato), que cada lector completará según su experiencia previa y deseos, es coherente con la tesis de la obra, como explica el autor en la entrevista publicada en El País:

Intento no perderme demasiado en los caminos que no recorrí, porque si finalmente te decides por uno es para vivirlo, no para preguntarte por los que no escogiste. Todo el mundo tiene dudas, oportunidades perdidas, cosas que dijimos y sobre todo cosas que callamos, y de ahí nace esta historia.

(...)

A veces pensamos que cualquier tiempo pasado fue mejor porque teñimos nuestros recuerdos con una pátina de nostalgia que los hacen más cálidos. Por eso en El final de todos los agostos el pasado está representado en color y el presente es más frío. Muchas veces no es tan importante lo vivido sino como lo recordamos, y nuestra memoria nos ayuda a pensar que antes éramos más felices, pero no necesariamente fue así. Y aunque así fuera, pensar demasiado en el pasado (o en el futuro) te alejan de lo único que existe, el presente, que en este cómic está representado por la pareja del protagonista.

(...)

Es una historia de amor, de amistad, y sobre todo de ese espacio (a veces doloroso) que queda en medio. En este sentido creo que cualquier lector que se acerque a esta historia puede sentirse identificado, aunque no le haya ocurrido lo mismo que a los protagonistas.

(...)

Pero de alguna manera, El final de todos los agostos es una conversación (que a veces tenemos pendiente) con nuestro adolescente interior, una forma de decirle que aunque a veces se sintiera inadaptado o incomprendido, al final todo sale bien. Hacer las paces con tu “yo” del pasado te permite vivir el presente con mucho menos peso en la mochila.

(...)

En una historia principalmente dominada por los sentimientos, me gustaba la idea de crear un personaje que presentara la razón frente a la emoción del protagonista. El viejo de las conchas representa el pasado real, ese que no está teñido por la nostalgia que a veces acaba transformándolo en “ficción”, y de alguna manera enfrenta al protagonista a pensamientos que quizá no quiere oír, pero que existen y a los que tiene que enfrentarse en algún momento.

(...)

El cómic habla de como las dudas del pasado afectan a nuestro presente, y en la vida real hay muchas conversaciones inacabadas, muchos momentos en los que te hubiera gustado actuar diferente, pero son así y a veces hay que asumirlo y dejarlo ir. Por eso cerrar la historia de otra manera me hubiera parecido traicionar esta idea.

Me parece interesante que el lector, a través de su propio viaje al leer el cómic, de alguna manera decida sobre el final de la historia, haciéndola un poco suya. La idea es que de alguna manera el cómic lo empezara yo pero sea el lector quien lo acabe.

Aunque, al menos, quisiera conocer el cuento que escribió Pumuki para la caja del tiempo...

NOVEDADES MARZO

 

Bryon, Lucie. Ladrona. Nuevo Nueve, 2022. Ella está obsesionada con Madeleine, a quien observa de lejos con el corazón latiendo mientras intenta obtener la mayor información posible sobre ella sin atreverse a hablarle. Ella aprovecha una fiesta de estudiantes para, finalmente, acercarse. Pero bebe demasiados para darse consistencia y termina completamente borracha. Al día siguiente se despierta con resaca y descubre que ha robado varios objetos preciosos el día anterior, sin embargo, sin recordar exactamente cuándo ni por qué; apagón total. ¡Además, Madeleine llama a su puerta! No se trata de admitirle ahora esta repentina crisis de cleptomanía. ¡Ella esconde todo lo robado debajo de su cama! Muy rápidamente los ojos se encuentran y las manos se rozan…

 

 

 

 Lehman, Serge y Peeters, Frederick. Saint-Elme: integral tomo 1. Astiberri, 2022. Después de El hombre garabateado (Astiberri, 2018), Serge Lehman y Frederik Peeters firman una historia policíaca muy oscura, a caballo entre lo insólito y lo absurdo. El detective Franck Sangaré, acompañado de su ayudante, la extraña Sra. Dombra, llega a Saint-Elme, un pequeño pueblo de montaña famoso por su agua de manantial. Están tras la pista de un fugitivo que lleva tres meses desaparecido: una investigación aparentemente fácil, excepto por el hecho de que en Saint-Elme todo es especial. Saint-Elme ha formado parte de la selección oficial en el Festival de Cómic de Angoulême 2022.

 

 

 

Gléason, Emily. Ted un bicho raro. Astiberri, 2021. Ted es raro raro. Pide siempre lo mismo para comer, elige siempre el mismo asiento en el metro y ordena religiosamente sus camisas según el día de la semana. También se sabe de memoria dónde están colocadas cada una de las referencias de la biblioteca donde trabaja y, de vez en cuando, se dibuja con rotulador unas cejas arqueadas para que su cara resulte más expresiva.

Émilie Gleason se ha inspirado en su hermano pequeño, quien padece un trastorno específico del desarrollo (TED), para narrar sin filtro y con infinita ternura las aventuras y desventuras de Ted, un ovni de piernas largas que adora las camas elásticas. Afirma la autora que “esta historia nació porque necesitaba expresar mi rabia y mi pena frente a las vivencias de mi hermano, diagnosticado Asperger tardíamente. Enseguida elegí la senda del humor porque quería hacer reír a mis padres y devolverles algo de buen humor. En el cómic presento a mi hermano como un tipo raro un poco Mr. Bean, pero termino cada capítulo con un punto dramático para no alejar al lector de la dura realidad”.

Ted, un bicho raro, le valió a su autora el Premio Revelación del Festival de Cómic de Angoulême 2019.

 

Zerocalcare. Esqueletos. Reservoir Books, 2022.  Dieciocho años y una mentira infame: en lugar de ir a la universidad, como le cuenta a su madre, el joven Zero se dedica a pasar las mañanas en el metro, de terminal a terminal. Así es como conoce a Arloc, un chico menor que él y que tiene otros motivos para perder sus días en un vagón de la línea B de Roma. Según crece su amistad, aparecen algunas sombras en la manera que tiene Arloc de ver la vida, hasta fusionarse con el oscuro mundo del tráfico de drogas en la periferia romana. A medio camino entre la realidad y la ficción, entre el thriller y la novela de formación, Zerocalcare entrega con Esqueletos su cómic más atroz: una historia de contracultura, violencia y redención.

 

 

 

Tatsumi, Yoshihiro. Pescadores de medianoche. Gallo Nero, 2018.  La presente antología recoge nueve historias escritas entre 1972 y 1973 y seleccionadas por el mismo Tatsumi, maestro y fundador del gekiga. El mangaka que contó su vida en el premiado manga Una vida errante disecciona aquí el milagro económico japonés para desvelar las tensiones, los deseos y las angustias de millones de jóvenes que acudieron en masa a las ciudades y vieron sus sueños frustrados. En sus historias, Tatsumi pone en escena la banalidad de la vida moderna y sondea las profundidades de la juventud perdida de los años setenta. Los pescadores de medianoche deambulan por clubes nocturnos, tristes suburbios y desangelados estudios sin baño… ser joven en aquel entonces no tenía nada de romántico.

 

 

 

Wakui, Ken. Tokyo revengers volumen 10. Norma, 2022.  Llega un nuevo número de esta aclamada historia que será para muchos el manga de nuestra juventud. La Tenjiku ha dejado a la Toman al borde de la destrucción con el incidente de Kanto. Esta vez parece que no va a haber escapatoria… El empeño de Takemichi por seguir adelante es ahora un acto más temerario que valiente y solo el destino dirá si todo este esfuerzo está siendo en vano o no. ¿Será suficiente la voluntad para acabar con Los cuatro Reyes Celestiales?

Tina Modotti

Ángel de la Calle, Modotti. Una mujer del Siglo Veinte (2003 y 2005)
Rubén Pellejero y Denis Lapière, Un verano insolente (L'impertinence d'un été, 2009 y 2010)

Dos obras con recorrido internacional -el cómic de Ángel de la Calle ha sido publicada en portugués, inglés, italiano, francés, alemán y griego, mientras que la segunda colaboración entre Lapiére y Pellejero apareció inicialmente en el mercado galo- abordaron en la década inicial del siglo XXI la vida de Tina Modotti, figura a través de la que se puede recorrer buena parte de la política y la cultura occidental de la primera mitad del siglo pasado... Gracias a esa amplitud temática, conecta con episodios narrados en anteriores lecturas de la tertulia: La balada del norte (Alfonso Zapico), Mies (Agustín Ferrer Casas) y Warburg & Beach (Jorge Carrión y Javier Olivares).

En 2020 apareció una nueva novela gráfica centrada en el personaje (L'ombre rouge, de Jean-Pierre Pecau y Jandro González), que podéis leer en la edición francesa original disponible en la biblioteca; también ha sido editada en castellano con el título La sombra roja.

Aunque solo comentaremos en la tertulia los dos primeros cómics, es curioso cómo todos coinciden en utilizar el mismo recurso para acercarse al personaje: un autor ficticio (Théo), real (Jorge Semprún) o el creador de la propia obra (Ángel de la Calle) se convierten en el vehículo a través del que narrar la historia de la protagonista. Quizá porque, conscientes de la complejidad y las múltiples interpretaciones de que ha sido objeto y de que solo es posible acercarse a buena parte de su historia a través de los relatos de terceros, a veces poco fiables por interesados -incluso cuando ella vivía-, necesitan recalcar esa inevitable distancia. A fin de cuentas, como señala el historiador J. L. Gaddis, no es posible reproducir o reconstruir el pasado, solo representarlo.

Mientras que Modotti. Una mujer del Siglo Veinte opta por recorrer al completo la vida de Tina (1896-1942), Un verano insolente se limita a la parte central de la década de 1920. En mayor o menor medida, ambas obras abordan la dimensión emocional y política del personaje, destacando cómo fue considerada muchas veces un objeto: de deseo, político -instrumento de los intereses particulares más que de los ideales-, o mítico -el relato y el personaje, por encima de la persona-.

Ambas obras reivindican también su naturaleza de sujeto. Sin embargo, hay que señalar que el compromiso social y el interés por los más desfavorecidos de Modotti no se canalizó solo a través del Socorro Rojo Internacional; surge ya cuando vive en San Francisco y se inicia la I Guerra Mundial y, en México, se muestra en las fotografías que tomó durante su colaboración con las Escuelas Libres de Agricultura -inéditas hasta después de la publicación de los cómics-.

Ese carácter activo se plasma con gran claridad precisamente en sus obras. Dando protagonismo a los detalles, nos invitan a tomar conciencia de lo que vemos. Las manos y los cuerpos de obreros y campesinas anónimos reflejan su dignidad y reconocen la individualidad de todos ellos, pese a que en muchos casos no veamos su rostro. En la biblioteca encontraréis el catálogo de la exposición promovida por el Museo Cerralbo y PhotoESPAÑA en 2022.

En este sentido, los dos cómics recogen los debates entre concepciones del arte que, sin embargo, pueden ser complementarias: su papel como reflejo de la sociedad e impulso de la mejora y el cambio o como resultado de la interioridad del creador y forma de dar sentido a su vida.

Podemos aprovechar la coincidencia en el tema central de los dos cómics para comparar el abordaje de algunas escenas comunes y cómo eligen plasmarlas sus autores: las fotos de Edward Weston a Tina Modotti bajo la lluvia, el encargo a ambos por parte de Anita Brenner, el regreso del norteamericano a su país, los asesinatos de Galván y Mella, etc.

La exhaustividad y las líneas negras de Modotti. Una mujer... se complementan con el siempre cuidadoso y lleno de significado tratamiento del color y de la luz de Pellejero (por ejemplo, en las páginas 84-85). Ambos son capaces, por caminos diferentes, de transmitir claridad a la narración, pese a la abundancia de saltos temporales, personajes y eventos. En cualquier caso, los dos cómics son un respetuoso homenaje, lleno de admiración, hacia una mujer que merece ser conocida.

Libros, bibliotecas y librerías

Tom Gauld, En la cocina con Kafka (Baking with Kafka, 2017)

Premio Eisner al mejor cómic de humor 2018

Jorge Carrión y Javier Olivares, Warburg & Beach (2021)

Me interesa mucho menos el dibujo virtuoso que el arte bien utilizado para contar historias.

Mi objetivo es que el texto y la imagen sean lo más minimalistas posibles, pero que trabajen juntos para que algo más grande surja en la mente del lector. La disposición de los elementos en la página es fundamental (...)

Me gusta que me den un tema y tener que encontrar mi propia forma de verlo; me lleva en direcciones que de otro modo no habría encontrado.

Tengo un puñado de trucos que utilizo para tratar de encontrar formas interesantes y divertidas de abordar los temas. Uno de ellos es juntar algo de hoy con algo del pasado o del futuro. En realidad, solo intento ser gracioso, pero a veces esta técnica da lugar a comparaciones más reflexivas. Intento ser cuidadoso, porque odio que algunas personas sugieran que antes todos pasábamos el tiempo leyendo clásicos, y que hoy los jóvenes no hacen más que jugar al Candy Crush. No tiene sentido.

Entrevista a Tom Gauld en The Verge

En la cocina con Kafka recopila parte de las tiras semanales publicadas en The Guardian por Gauld desde 2005, donde hace referencia a un tema publicado en la sección de Cultura la semana anterior o responde a una propuesta de sus editores. En Todo el mundo tiene envidia de mi mochila voladora podemos encontrar las anteriores, mientras que recientemente se ha publicado en castellano su continuación, La venganza de los bibliotecarios, centrada también en el mundo de la literatura y todos los elementos extranarrativos que la rodean.

La combinación de humor, ironía y una aparente ingenuidad, además de la variedad en las composiciones ("No quiero repetirme y usar la misma estructura. Una semana puedo hacer una tira cómica de seis paneles. Otra podría ser un gag único. La siguiente un diagrama extraño". Entrevista en The Comic Journal) se nos revela como la herramienta más directa y eficaz para:

• Jugar con obras y autores clásicos, situados en contextos actuales (al estilo ¿qué pasaría si...?).
• Hacer referencia al proceso creativo, los tópicos de cada género, las estructuras narrativas y las teorías que las analizan (con una referencia explícita al monomito propuesto por Joseph Campbell).
• Mirar de forma crítica las dinámicas del mercado editorial y artístico, con el contraste entre la ostentación de riqueza de algunos empresarios del sector y los autores que sobreviven a duras penas. Además, desvela lo absurdo o arbitrario de ciertas creencias y conductas, como la permanente soberbia del experto o la indignación desmesurada ante los cambios a un personaje ("Me gusta hacer caricaturas muy tontas para las personas que se preocupan demasiado por James Bond". Entrevista en The Comic Journal).
• Explorar las modificaciones, presentes y futuras, generadas por el protagonismo de los canales digitales y las modas pasajeras.
• Acercarse a la naturaleza, a veces problemática, de las adaptaciones de las novelas a otros medios.

Y, sobre todo, abordar con cariño la naturaleza de nuestra relación con la lectura y los libros. ¿Os gusta el uso de elementos surrealistas y próximos al absurdo? Para disfrutar de estas tiras, ¿es necesario conocer previamente las referencias literarias y cinematográficas? ¿Cuál es vuestra favorita?

* * * 

Hemos hecho de esa superstición, la intimidad con el libro y entre los libros, la razón de esta biblioteca.

Fritz Saxl en Warburg & Beach

En Librerías (2013), Jorge Carrión enlazaba, quizá llevado por el mismo impulso que generó el Atlas Mnemosyne, perspectivas y elementos en apariencia dispares (viajes personales, biografías y obras de escritores ya clásicos, descripción de espacios, estudio histórico y sociológico) para acercarse - girar en torno a los libros, las librerías y la lectura. Warburg & Beach retoma y amplía algunos de los elementos y estrategias de análisis presentes en ese ensayo, manteniendo su voluntad de atender las múltiples facetas de la misma realidad.

Aunque el cómic comienza a finales del siglo XVIII, buena parte se centra en una época y algunos personajes clave de la cultura de entreguerras que conocimos en No me dejes nunca (Jason), para acercamos a librerías -y, en la mayor parte de los casos, libreras- icónicas: Shakespeare and Company y Sylvia Beach, La Maison des Amis des Livres y Adrienne Monier, Gotham Book Mart y Frances Steloff, Warburg Haus y Aby Warburg.

Javier Olivares da sentido en la entrevista de Dibujando la Historia a las elecciones gráficas y de formato. ¿Habéis leído este libro acordeón desplegado sobre una superficie amplia o de manera más tradicional? ¿Creéis que cambian la experiencia de lectura y los significados que se transmiten? ¿Cómo se genera la sensación de continuidad entre las imágenes? Además de los elementos comunes entre las dos "caras" de la obra -la metáfora del laberinto, el traslado de libros ante la persecución nazi-, ¿cómo se relacionan los elementos gráficos y temáticos entre sí? ¿Supone un obstáculo para disfrutar la obra el no tener referencias previas sobre algunos de sus protagonistas y los hechos que narra?

Más ejemplos recientes con el formato desplegable son Mono & Lobo (2010) y Caperucita Roja (2015) de Lola Moral y Sergio García o La gran guerra (2013), de Joe Sacco.

Angoulême 2023

Miki Yamamoto, Sunny Sunny Ann! (2012)

Premio Cultural Osamu Yezuka a nuevos autores 2013

Sélection Officiele Festival d'Angoulême 2019

Hubert y Zanzim, Piel de hombre (Peau d'Homme, 2020)

Sélection Officiele Festival d'Angoulême 2021. Fauve des Lycéens 2021

Grand Prix de la Critique ACBD 2021

Este mes se celebra la quincuagésima edición del Festival de Cómic de Angoulême y, como es el evento favorito de esta tertulia, dedicamos un nuevo enero a obras que han sido protagonistas en los años anteriores y que ya se encuentran disponibles en castellano.

Quizá se puede aplicar a ambas la descripción que sobre Piel de hombre aparece en la web del festival: Una fábula que nos interroga sobre temas con resonancias contemporáneas: género, dominación masculina sobre las mujeres y el peso de la moral sobre la sexualidad femenina (bdangouleme.com).

Los dos cómics tienen a una mujer como protagonista, que rompe las convenciones y estereotipos de su época para reivindicar una voz propia y espacios de intimidad, autonomía y libertad, tanto en la expresión del deseo como en la configuración de su propio destino. Ann y Bianca se construyen en la ficción como seres reales y, por tanto, complejos, que deben negociar con sus dudas y aspiraciones, a veces contradictorias, mientras enfrentan la violencia masculina.

Siempre aprenderás algo de todos. Abbie, el mundo entero es tu madre. Porque te lo enseña todo. Tanto lo bueno como lo malo. Vamos. Tú puedes ir sola.

Sunny Sunny Ann!

Sunny Sunny Ann! es un manga muy cercano al cómic independiente europeo y, sobre todo, norteamericano, por el contexto de la historia y su carácter de road movie (recientemente leímos dos obras de Eleanor Davis con las que puede establecerse un vínculo temático y gráfico).

Miki Yamamoto recrea cuerpos reales y vestidos con vida propia, composiciones de página, encuadres y planos tan variados como sus viñetas multiformes -algunas, incluso, parecen tener la forma  de las ventanillas de los coches a través de las que se observa el mundo-. Esa misma flexibilidad se encuentra en la narración: Ann es a veces protagonista y otra una acompañante casual; con su mezcla de dureza y solidaridad, violencia y cuidados, evita romantizar la vida nómada o idealizar a su protagonista.

El final abierto evita la tentación moralizante o dogmática. Parece no querer dar respuestas, sino, en todo caso, presentar una forma de vida elegida, en la que se aceptan tanto los pequeños placeres y libertades como sus consecuencias negativas, asumiendo de forma consciente los riesgos y aquello que, inevitablemente, se pierde.

Yo no me arrepiento. ¿Cómo arrepentirme de haber amado? Me he sentido muy viva en la piel de Lorenzo.

Piel de hombre

En Zona Negativa encontraréis un acertado análisis de Piel de hombre, así como información sobre la carrera de sus creadores. Para complementar la valoración temática y del apartado gráfico -caracterizado por la mezcla de estilos, la fluidez en el movimiento de los personajes, el uso del color para dirigir la atención sobre algunos de ellos y el recurso a los espacios de la ciudad como marco de las viñetas-, os recomiendo dos entrevistas a su dibujante:

Para Hubert, como homosexual, fue difícil. Tuvo que asumirlo y ser aceptado en un contexto que era, en aquella época, mucho menos indulgente que ahora. Odiaba la exclusión, quería demostrar que el envoltorio no era lo importante, que lo único que cuenta es el amor entre las personas y que hay que dejar a la gente vivir como quiera, vestirse y amar como quiera.

ActuaBD

La idea de la piel blanca [Bianca es el único personaje que la tiene] intentaba representar a una joven completamente inocente, virginal, pura. Al mismo tiempo, el color rojo revela algo más oculto y fogoso. Me parece que, en los cómics, el naranja es visualmente excelente para el pelo. Además, la piel blanca debía ser totalmente diferente de aquella con la que se viste. Hubert quería que la de Lorenzo tuviese un aspecto mate y coloreado.

Pero también sirve para poner en primer plano a la protagonista. Al principio hay muchos personajes, no es fácil situarse. Siempre me preocupa la claridad (...) Por eso, a veces le pongo una nariz grande a uno de ellos para asegurarme de que se diferencia. Y aquí era aún más complicado por la ambigüedad de su cambio a hombre (...)

Elegimos, cuando se transformaba en Lorenzo, darle un aspecto andrógino (...) Lo único que no cambia entre los dos es el color azul de sus ojos.

Toute la culture

Como curiosidad, el escenario de la historia parece ser la Florencia del siglo XV-XVI: la estatua erigida frente al ayuntamiento recuerda a las que se colocaron en la época de mayor esplendor económico en la Piazza della Signoria, donde se encuentra el Palazzo Vecchio, sede de la administración civil.

Además, Fray Angelo puede estar inspirado en Girolamo Savonarola, un predicador encendido (le preocupaban "la maldad de los hombres, las violaciones, los adulterios, los robos, el orgullo, la idolatría, las viles maldiciones, porque el mundo ha llegado a tal estado que ya no se puede encontrar a nadie que haga el bien"), famoso por sus profecías apocalípticas que parecían cumplirse en medio de una fuerte crisis, que organizó hogueras para quemar todo lo licencioso (cuadros, perfumes y joyas, libros, juegos...) y consiguió influir en la vida política de la ciudad. Aunque la suerte del hermano de Bianca es mucho mejor que la de su modelo, ejecutado por hereje.

NOVEDADES MANGA

 

Arrazola, Amaia. Totoro y yo. Lunwerg, 2022. JA C ARRAZOLA 2. En Totoro y yo, la ilustradora Amaia Arrazola nos presenta una biografía ilustrada de Hayao Miyazaki, centrada en el universo de Studio Ghibli y en su filmografía, haciendo obligadas paradas en los personajes icónicos de este estudio de animación, en la dirección artística y en la banda sonora de películas que ya se han convertido en obras de culto de la animación. A través de 200 páginas completamente ilustradas, Arrazola analiza la influencia de Studio Ghibli en la cultura japonesa y, por extensión, en la mundial: un estilo cinematográfico pausado y preciosista que ha conquistado a legiones de fans en todo el mundo, inspirando a multitud de artistas y generando un fenómeno mundial que no tiene visos de agotarse.

 

 

 

Azuma, Kiyohiko. Yotsuba 11. Norma, 2022. JA C AZUMA 2. La dulce Yotsuba sabe cómo celebrar todos sus descubrimientos, por simples que sean. Una pizza, una cámara de fotos, recoger castañas, comer fideos… para Yotsuba cada día encierra una nueva promesa, y sabe disfrutar al máximo de todo lo que la rodea. ¡Redescubramos con ella nuestro alrededor!

 

 

 

 

 

Hirako, Waka. My broken Mariko. Milky Way, 2021. JA C HIRAKO 2. Durante una salida de trabajo, la huraña oficinista Shiino se entera de una noticia en un garito de comidas: su amiga Mariko ha muerto. Al conocer la trágica noticia de la súbita desaparición de su amiga, Shiino decide actuar...

Una desgarradora historia que describe los vínculos que unen las almas de dos mujeres...

 

 

 

 

 

 

Kishimoto, Masashi. Naruto. Vol. 1 a 5. Planeta, 2012-2020. JA C KISHIMOTO 2. En la Villa Oculta de la Hoja, un chaval de lo más problemático que estudia en la escuela de ninjas, Naruto, se dedica a urdir gamberrada tras gamberrada.

El sueño de Naruto es el de llegar un día a heredar el nombre de Hokage, reservado a los grandes héroes y de convertirse en el mejor ninja de todos los tiempos.

 

 

 

 

 

Oima, Yoshitoki. A silent voice. Milky Way, 2015. La diversión y la aventura son el lema de Shôya Ishida, un chico capaz de cualquier cosa con tal de vencer el aburrimiento. Pero su vida cambiará drásticamente tras conocer a Shôko Nishimiya, una chica sorda que ha sido transferida a su escuela.

 

 

 

 

 

 

 

Urasawa, Naoki. Monster. Vol. 5 a 9. Planeta DeAgostini, 2009-2010. JA C URASAWA 2. La serie narra la historia de un neurocirujano japonés llamado Kenzo Tenma, quien creyendo hacer lo correcto le salva la vida a un niño aparentemente normal; pero lejos de la realidad, este infante es en realidad un asesino sociópata que cambiará y destruirá las vidas de todos aquellos con los que se cruce en el camino, incluyendo al propio Tenma, a quien inculpa de una serie de homicidios cometidos por él. Tenma viajará por toda Alemania para encontrar a este individuo, detenerlo y poder demostrar su inocencia.

 

 

 

 

 

 

Igort. Kokoro: el sonido oculto de las cosas. Salamandra Graphic, 2022. JA C IGORT 2. Guiado por una curiosidad inagotable, en este reportaje gráfico Igort cuestiona las formas y el significado de la permanencia, así como el cambio en la cultura japonesa contemporánea, que reinventa los espíritus y las deidades tradicionales, las ceremonias y los ritos ancestrales. Todo eso toma ahora nuevas formas en la modernidad: ¿Cómo regresan los monstruos queridos por la tradición en el imaginario post bomba? ¿Qué es el club mordedor, del que el autor es oficialmente el único miembro occidental? ¿Qué buscan las kogal, las jóvenes que se disfrazan de mujeres alienígenas? ¿Y cómo funciona el fenómeno de las citas pagadas?

Kokoro, «corazón» en japonés, lugar de sentimientos y emociones espirituales, explora también el misterio y la sensualidad japoneses. Igort abarca desde los haikus de Basho hasta el cine de Ozu, desde las olas de Hokusai hasta Tsuge y su Hombre sin talento. Esta obra, temáticamente transversal, nos guía cronológicamente por lo sublime hasta llegar a lo ultrapop, para aprender más sobre «la música secreta de las cosas» que yace en la mística japonesa. Es una carta de amor al país nipón, y de una belleza tan abrumadora que consolida a Igort como el maestro indiscutible del reportaje gráfico europeo.