Canadienses irreverentes

Julie Doucet, Cómics 1986-1993

Julie Doucet, Diario de Nueva York (1993-2001)

Chester Brown, Pagando por ello (2011)

Doucet y Brown nacieron con cinco años de diferencia en dos ciudades del área metropolitana de Montréal separadas por menos de cuarenta kilómetros y crecieron en un ambiente marcado por la religión. Ambos son referencias básicas de una forma particular de enfrentarse al género autobiográfico, que tan bien conoce Irene Costa, participante en la tertulia. 

Los dos se muestran a sí mismos sin adornos y abordan en las obras seleccionadas temas comunes: las relaciones de pareja, el sexo, el amor y las convenciones sociales, ante las que no muestran el "debido respeto". Son conscientes de que hay un lector frente a sus páginas, al que se dirigen directamente. Además, reflejan el mundo de la creación de los cómics menos comerciales y por sus páginas aparecen muchos de los personajes clave de ese entorno: Art Spiegelman, Charles Burns, Peter Bagge, Doug Allen, Seth, Joe Matt... ¡Incluso un Chester Brown con pelo coincide en 1991 con la joven Julie Doucet!

Sin embargo, nos encontramos con dos personalidades completamente diferentes, que dan pie a obras muy distintas en su lenguaje gráfico y en la forma de abordar los mismos asuntos.

Doucet emplea viñetas de límites trazados a pulso y abarrotadas de objetos en perspectivas imposibles para mostrar sus preocupaciones -expresadas en muchas ocasiones a través de sueños- o retratarse a sí misma con humor y sin idealización (Un día en la vida de Julie Doucet). Es capaz de realizar una inteligente y surrealista crítica de la desigualdad de género (Si yo fuera hombre, La muñeca del amor) mientras comprobamos cómo evoluciona a través de quince años de trabajo que culminan en el lúcido retrato de una relación de pareja tóxica y destructiva.
La autora canadiense representa la imaginación, el exceso, la espontaneidad, la flexibilidad y el humor enloquecido (Monkey y el muerto viviente). Chester Brown, por el contrario, construye su cómic sobre la racionalidad y un escrupuloso deseo de ceñirse a los hechos ("En este libro hago constar todas y cada una de las veces que pagué por sexo hasta finales de 2003 y todas y cada una de las prostitutas con las que practiqué sexo entonces") manteniendo una rígida estructura -todas las páginas son de 4 por 2 viñetas del mismo tamaño-.
En resumen, ella es capaz de reírse de sí misma, mientras que él hace un esfuerzo consciente por justificar su postura y no deja posibilidad para la risa, solo para la ironía.
Antes de la tertulia, os recomendamos un completo análisis de Pagando por ello -naturaleza de la obra, estética, relación con el underground y el "Trío de Toronto", ideología de referencia- que se publicó en The Comics Journal. Una entrevista y un artículo sobre  la autora de Dirty Plotte suponen un buen acercamiento al significado de su obra.

Otras visiones de Estados Unidos

Howard Zinn, Mike Konopacki y Paul Buhle, Una historia popular del Imperio Americano (2008)
Fermin Muguruza, Harkaitz Cano y Dr. Alderete, Black is Beltza (2014)

Mientras leía los cómics de este mes, recordé una frase que se atribuye a Mark Twain: "La historia no se repite, pero rima". Walter Benjamin fue más allá cuando escribió que el tiempo está lleno de fantasmas y que estos, vengan del pasado, del presente o del futuro, siempre se comportan igual.
Y es que ambos autores comparten con Howard Zinn una historia personal marcada por la guerra, un antibelicismo militante basado en sus convicciones éticas y la conciencia de que las sociedades han ido actualizando conductas basadas en la dominación, el desprecio al diferente y la violencia.

Es obvio que las dos obras propuestas tienen muchas diferencias. La de Zinn es una adaptación de un extenso ensayo y mantiene una estructura similar a Rupay, un cómic sobre la violencia en el Perú de los años 80 que ya pasó por nuestra tertulia; el primer cómic de Muguruza es, por su parte, una obra original mucho más breve. Si la primera se centra en dos siglos de historia con un estilo a veces denso, la segunda es una ficción que transcurre en dos años a ritmo sincopado. El profesor tiene una clara intención educativa, mientras que el artista crea un thriller de espionaje donde incluye referencias al papel de distintos grupos armados y de las grandes potencias durante la Guerra Fría.
Pero también hay coincidencias temáticas, como las referencias al racismo institucional norteamericano de los años 60, la oposición popular a estas políticas, la música como reivindicación identitaria y/o punto de encuentro entre distintas clases sociales o las intervenciones de los Estados Unidos en el extranjero -el asesinato del Che Guevara por la CIA, el Programa de Contrainteligencia del FBI- bajo la consigna de que "El imperio invisible debe seguir siendo invisible", como nos recuerda uno de los malos de Black is beltza. Los dos autores comparten también un cierto sentido romántico, que mantiene la esperanza en nuestra capacidad para mejorar las desigualdades sociales.

Angoulême 2016

El Festival Internacional del Cómic que se celebra, desde hace ya cuarenta y tres años, en la ciudad francesa de Angoulême se ha convertido en una guía de referencia para descubrir las mejores lecturas del momento o prestar atención a clásicos recuperados.
En esta ocasión, hemos seleccionados obras premiadas en las tres últimas ediciones en categorías diferentes. Añadimos algunos textos de la web del festival relacionados con cada cómic.

George Herriman, Krazy Kat
Prix du patrimoine 2013. El Premio del patrimonio, otorgado por el Gran Jurado del Festival, reconoce una obra que pertenece a la historia mundial del cómic, así como el trabajo editorial que ha permitido redescubrirla.
"La más mítica de las tiras cómicas norteamericanas, origen y molde de casi todo lo que hay de moderno en un siglo de cómic (...) milagrosamente llena de energía, humor, poemas cortos, inmejorable.
(...)
Nacida en la prensa de los años 1910, esta tira desapareció con su autor en 1944, después de estar presente durante más de treinta años en la prensa dominical. Aunque Krazy Kat nunca logró un gran éxito de público, es reconocida hoy como una de las más bellas tiras jamás dibujadas".

Junto a Winsor McCay y Harold Foster, George Herriman es uno de los pioneros que definieron la evolución del cómic en los cuarenta primeros años del siglo XX. Por su composición de las páginas, los diálogos cargados de inteligencia e ironía, sus personajes y relaciones tantas veces imitados y el surrealismo y brillante absurdo de algunas de las situaciones que plantea, merece la pena visitar el condado de Coconino.
Referencias: Álvaro Pons ha dedicado varios artículos a esta obra por la que siente admiración (Mis tebeos favoritos III: Krazy Kat, de George Herriman y Por qué me gusta Krazy Kat). Pepo Pérez recoge algunos textos que analizan el significado de la tira en "Krazy Kat" y los cómics de principios del XX.

Chloé Cruchaudet, Degenerado
Sélection Officiele 2014. La Selección Oficial incluye los treinta y cinco o cuarenta títulos más destacables publicados en el último año.
Prix du public Cultura 2014 . El Premio del público se entrega tras la votación de los lectores (tanto por internet como en el mismo Festival), que eligen su álbum preferido entre los doce preseleccionados por un comité formado por colaboradores de la empresa que lo patrocina.
"Chloé Chruchaudet nació en Lyon en 1976. Tras estudiar arquitectura y artes gráficas, entró en la L'´École de l'image Gobelins, donde estudió cine de animación. Esta formación desarrolló su gusto por el esbozo rápido, el enfoque cinematográfico y el story-board, muy presentes en su obra. Para escribir, se inspira en historias reales, libros históricos o autobiografías. Apasionada por los estudios sociológicos y los registros históricos (...) con Mauvais Genre se adentra en el París de los años veinte".

Un brillante estudio de los gestos y los movimientos, así como la capacidad de sintetizar la evolución de una relación de pareja que camina hacia la asfixia a partir de momentos cuidadosamente seleccionados, permiten a la autora reflexionar sobre la trasformación de la identidad y el alto coste de traspasar los límites entre las categorías establecidas por la sociedad.
Referencias: Entrevista a la autora en en El País. Ficha elaborada por Dibbuks, la editorial que publicó la obra en castellano, con enlaces a varias reseñas. Ficha del ensayo en el que se basa esta novela gráfica.

Riad Sattouf, El árabe del futuro. Una juventud en Oriente Medio (1978-1984)
Fauve d'Or - Prix du Meilleur Album 2015. Recompensa al mejor álbum del año, sin distinción de genero, estilo u origen geográfico.
"Como despierto observador de la tragedia contemporánea, Sattouf comienza con El árabe del futuro un tríptico autobiográfico que relata su sorprendente infancia pasada entre Francia y Siria".
Siguiendo la estela de autores como Marjane Satrapi o Farid Boudjellal, el autor de cómics y cineasta Riad Sattouf construye un relato basado en los sentidos como fuente del recuerdo (Francia es azul, Libia es amarilla y Siria es rosa; cada lugar y cada persona tienen su propio olor) que muestra la estupidez de los discursos que glorifican a un líder, inventan una mitología que presenta a la nación como una Arcadia feliz, esconden la pobreza de países permanentemente a medio construir (como el retrato de Corea del Norte que nos ofreció Guy Delisle) y tratan al "otro" (rubios, mujeres, judíos, cristianos, sunitas, chiitas o alauitas) como un inferior.
Pero también es el retrato de las contradicciones de la sociedad occidental, del sufrimiento de un padre que ve cómo, una y otra vez, la realidad no encaja con sus deseos y de una madre y un niño que se ven llevados de un lugar a otro sin un buen motivo.
Referencias: Entrevista al autor en El Confidencial y El Huffington Post. Artículos en El País, El Mundo, Rtve.es, Entrecómics y Literaturas.com.

Asesinos

Matz y L. Jacamon, Asesino (1998)

A. Altarriba y Keko, Yo, asesino (2014)

Gran Premio de la Crítica ACBD  2015

Sélection Polar, Festival d'Angoulême 2015

Nominación a Mejor obra de autor español publicada en 2014, Salón del Cómic de Barcelona

Siguiendo la ya (casi) tradición anual de incluir en la programación de la tertulia un tema relacionado con el género negro, en esta ocasión hemos elegido obras de éxito editadas originalmente en Francia y que comparten estructura narrativa: un asesino muestra su vida y actos, intercalando recuerdos que aclaran sus motivaciones.

Más allá de recordarnos algo ya sabido -que las personas hemos encontrado, a lo largo de la historia, muchas supuestas razones para el asesinato: dinero, ideas políticas, envidia, deseo de poder, odio-, los discursos de sus protagonistas flaquean cuando se lanzan a justificarse, con monólogos delirantes -¿el asesinato es un arte?- o tramposos -la violencia estructural permite la individual, una persona puede impartir justicia con la misma legitimidad o falta de ella que las instituciones, etc-.

Creo que no logran abandonar la imagen de relato ya escuchado: aquel que intenta sacar rendimiento a la supuesta fascinación que provocan figuras similares, a las que otorgamos, sin demasiadas razones, una complejidad interna y clarividencia superior a la del resto de los mortales. ¿Quizá falta humor en ambas narraciones, un humor que aporte distancia, relativice y quite peso a sus puntos de vista?
Sin embargo, resultan muy interesantes los personajes secundarios y sus reacciones ante la violencia -como la mujer y la amante de Yo, asesino-, el momento en que los cazadores se convierten en posibles víctimas y las reflexiones sobre las expresiones artísticas contemporáneas.

En todo caso, resulta imprescindible acudir a los autores si se quiere analizar con justicia sus obras. Para profundizar en el sentido, estilo y proceso de creación de la obra de Altarriba y Keko, es recomendable esta entrevista conjunta, así como esta otra realizada al guionista. Sobre la serie de Matz y Jacamon, que tras más de quince años va por el segundo arco argumental y el tomo 13, encontramos una donde defienden la originalidad de su personaje, y aquí otra con referencias a tomos aún no publicados en castellano.

Novelas del mar

Will Eisner, Moby Dick (1998)
Olivier Jouvray y Pierre Alary, Moby Dick (2014)
Go Fujio, Kanikosen (2006)

Las adaptaciones al cómic de obras literarias  constituyen un género propio, con algunos resultados muy destacables, como Las aventuras de Huckleberry Finn (L. Mattoti), Dr. Jekyll & Mr. Hyde (L. Mattoti y J. Kamsky), El Mago de Oz (E. Shanower y S. Young), En busca del tiempo perdido (S. Heuet), Niebla en el puente de Tolbiac (L. Malet) o Ciudad de cristal (D. Mazzuchelli y P. Karasik).
Moby Dick es, pese a su complejidad y extensión, una de las novelas clásicas a la que más autores se han acercado para recrearla en forma de narración gráfica. Luis Conde Martín reseña, en la imprescindible Graphiclassic nº 1, cuatro de esos intentos, los de Dino Battaglia, Paul Gillon, Chiqui de la Fuente y Bill Sienkiewicz.

Para esta tertulia hemos seleccionado obras diferentes, realizadas por una de las figuras básicas del cómic del siglo XX, Will Eisner, y por dos de los autores más importantes de la actual bande dessinée, Jouvray y Alary. Además, añadimos la adaptación al manga de la novela japonesa Kanikosen, que comparte con Moby Dick el escenario -un barco inmerso en una larga travesía por el océano, con rutas que se acercan- y algunos temas, pese a los cien años de distancia entre los sucesos que narran... Y es que, al trascurrir en espacios reducidos donde se agolpan los tripulantes y encontrarse lejos de las referencias sociales que se encuentran en tierra firme, la mezcla de aislamiento compartido y pérdida de privacidad individual permite reflexionar sobre qué es moral o no, a qué se aferran los personajes para dar sentido a su existencia y qué valor conceden a la vida humana.

Además, el Pequod es un ballenero y el Hakuko Maru un cangrejero; es decir, naves al servicio del sistema económico, factorías móviles. Sin embargo, tanto Ahab como Asakawa están movidos por el odio y un anhelo irracional: la venganza que vuelve ciego al primero, un absurdo sentimiento de grandeza nacional en el segundo.
¿Y las diferencias? Seguramente hablemos de ellas en la tertulia, así como de preferencias personales. Un solo apunte: el color del mar refleja el distinto tono de las tres versiones. Para Eisner, el mar mantiene un color verde azulado tan clásico como la estructura de la historia (las páginas de seis viñetas son el resultado de reutilizar un storyboard para un proyecto televisivo que no llegó a realizarse). En la obra de Jouvray y Alary, el protagonista acaba siendo un mar de sangre. Go Fujio, en cambio, nos muestra aguas grises y metálicas, como el acero de las fábricas.

África(s)

Farid Boudjellal, El pequeño Polio (1998)
Prix Oecumenique de la BD en el Festival d'Angoulême 1999
Fabien Nury y Brüno, Atar Gull o el destino de un esclavo modélico (2011)
Incluido en la Selection officielle del Festival d'Angoulême 2012
Zidrou y Raphaël Beuchot, El cuentacuentos (2011)

Os invitamos a recorrer de norte a sur (Argelia, Gambia, Namibia) un continente múltiple, viajar en el tiempo (1830, 1958-59, actualidad) y explorar, a través de los ojos del cómic franco-belga, realidades eternas que cambian de aspecto según la época y el lugar: en las páginas de las obras propuestas encontramos pobreza, opresión y enfrentamiento entre quienes se consideran diferentes, pero también solidaridad, ilusiones, encuentro y una apuesta por el poder de la imaginación.

"Cada ábum está dedicado a un arte y también a un té, e igualmente a un tema relacionado (...) El cuentacuentos evoca la muerte". Zidrou.

Zidrou entremezcla historias y tonos en el primer volumen de su Trilogía africana. Los cuentos de aire tradicional sobre el elefante convertido en baobab y el mono Sin Cara comparten páginas con el autorretrato de personajes que nos aportan algunas piezas para ir construyendo una foto de la difícil situación social en Gambia.
El relato oscila entre el horror de la violencia y la esperanza que trae la belleza, al tiempo que reivindica la importancia de la transmisión oral y de los relatos como vehículos para soñar y cuestionar lo establecido.
En este cómic, las fábulas no son únicamente metáforas que explican la realidad, sino que la fantasía y la magia intervienen activamente en el mundo físico: como en los cuentos que empiezan con "Érase una vez..." los malvados reciben su justo castigo y el pueblo obtiene consuelo.

"A menudo, la virtud tropieza con la afilada roca de la pobreza". Eugène Sue.

La adaptación al cómic de la novela de Eugéne Sue -hijastro de la emperatriz Josefina, dilapidador de la fortuna familiar, socialista, escritor de folletines y exiliado- elimina la conclusión del texto original, publicado en 1831. Con ese final, el autor francés dulcificaba el tono general de un relato dedicado a mostrar sin tapujos ni maniqueísmo las consecuencias de llevar al extremo la lógica del libre mercado, destapando el lado oscuro de la sociedad del siglo XIX.
La revista pulp Ultramundo incluyó una completa reseña de un cómic que refleja la inhumanidad del comercio de esclavos -las personas convertidas en mercancía- y lo macrabo de un viaje por mar de 11.000 kilómetros... Un tiempo durante el que el odio del protagonista crece y le envenena, al igual que hará él con quienes le rodean.

"Me di cuenta de que, durante la guerra de Argelia, fui un pequeño argelino, un pequeño árabe discapacitado".
"En mi familia siempre estuvimos informados sobre nuestros deberes. pero también supimos defender nuestros derechos. Reivindico que soy francés, soy ciudadano de este país (...) No soy un extranjero, estoy  en mi casa. Y cuando estoy en Argelia, también estoy en mi casa. Cuando voy allí y me presentan como inmigrante, no me molesta: al principio me llaman el inmigrante, y cuando saben mi nombre me llaman Farid".

"El pequeño Polio simboliza la infancia. Quería que se pareciese a los dibujos con lápices de colores que hacía cuando era niño en los libros del colegio. Quería que tuviese algo de la infancia y de la discapacidad (...) No olvidemos que dibujamos con el cuerpo. Me resulta difícil hacer andar derecho a un personaje, tengo tendencia a hacerlo desequilibrado (...) En El pequeño Polio todos los personajes son cojos".

"Sobre las páginas de El pequeño Polio lanzo dibujos, colores, acuarelas (...) Es un estilo que algunos describen como semi-realista. Es el dibujo de alguien sin auténtica formación (...) pero, con mi experiencia, soy capaz de hacer trampa. Me aseguro de que sea legible". Farid Boudjellal.

Mientras que El cuentacuentos muestra una parte de África contada desde dentro por sus habitantes y en Atar Gull el continente representa la vida añorada, El pequeño Polio es un relato costumbrista, en parte autobiográfico, sobre un niño que se convierte en testigo cada vez más consciente de los conflictos surgidos en torno a la inmigración.
Este primer tomo de la serie dedicada al personaje se inicia pocos meses después de la crisis de mayo en Argelia, el evento más importante de su guerra de independencia, que generó un cataclismo político en la metrópoli e hizo que la población argelina viviera una delicada situación en Francia.

"Mi padre nació en Turquía, de padre argelino y madre armenia. Fui educado tanto en la religión cristiana como en la musulmana, y nací en Toulon. Mi personalidad se ha forjado a partir de todas esas diferencias y me ha permitido sentir una gran curiosidad por el mundo. Sobre mis orígenes, ¡aprendí a los 28 años que era un Beur (nacido en Francia de padres norteafricanos)! Eso no cambió mi percepción de las cosas (...) Soy de cultura obrera, la de mis padres, y eso se refleja en mis textos y dibujos". Farid Boudjellal.

La tertulia se mueve: Ixa ASAP! y Errege Izatekoa zen Gizona

José Luis Asensio, uno de los miembros más veteranos de la tertulia, ha publicado en 2015 la recopilación de relatos Ixa ASAP!, que incluye el primer premio en el XXIV Certamen literario de autores noveles en euskera del Ayuntamiento de Pamplona.
Tras el éxito de la campaña de micromecenazgo, el libro, que cuenta con ilustraciones de Iñigo Izal, está a la venta en las principales librerías de Pamplona. Además, se han realizado presentaciones en Karrikiri, la Biblioteca de Pamplona-Yamaguchi y la Feria del Libro de Pamplona.
La información actualizada sobre la obra y las actividades desarrolladas en torno a ella aparece en el blog oficial.

Angélica López ha ilustrado la edición en euskera del relato de Rudyard Kipling El hombre que quiso ser rey. Se puede encontrar desde mayo en las librerías bajo el título Errege Izatekoa zen Gizona del sello Denonartean.

The Walking Dead

Robert Kirkman, The Walking Dead (2003 - serie abierta)

LORI: –No va a ser lo mismo. Nunca volveremos a ser normales.

(The Walking Dead #6)

Lo confieso: no recuerdo haber visto completa una película con zombies, ni tan siquiera las ya clásicas de George A. Romero (son prejuicios, ya lo sé). Por eso, mientras la lectura del primer tomo de The Walking Dead me mantenía atrapado fascinado, no recordaba tanto la multitud de películas, novelas y videojuegos -serias o paródicas- que el mercado genera desde hace años (Guerra Mundial Z, Orgullo y Prejuicio y Zombis, Resident Evil) como una novela de los 50 y dos experimentos realizados en las décadas de los 60 y 70...

“Quiero explorar cómo la gente se enfrenta a situaciones extremas y cómo estos acontecimientos los cambian (…) Toda esta historia es un intento de mostrar la progresión natural de acontecimientos que creo que se producirían en estas situaciones. Es un trabajo basado en los personajes”.

Entrevista a Robert Kirkman en Dolmen nº 188 (junio 2011)

El señor de las moscas, la primera obra del Premio Nobel William Golding, comparte con The Walking Dead muchos elementos argumentales: la supervivencia, convertida en el único objetivo, determina la dinámica de la lucha por el poder y el reparto de roles, propicia que la rivalidad se convierta en violencia física e impulsa la formación de grupos que funcionan como comunidades casi cerradas, donde cualquier diferencia puede castigarse con extrema dureza.

La esperanza de un rescate convive en ambos relatos con un miedo permanente -a una criatura no tangible en la novela, a seres demasiado reales en el cómic-. Al mismo tiempo, presenciamos la evolución de los personajes, capaces de decir y hacer cosas que en las primeras páginas no parecían posibles; por ejemplo, en TWD es un niño el primero en asesinar a un hombre vivo.
Y es que Robert Kirkman construye un gran campo de experimentación donde podemos observar conductas normales en la vida cotidiana que, al derrumbarse nuestras estructuras sociales de control, se vuelven extremas y se magnifican para aparecer con mayor claridad .
Modificar las reglas habituales del juego es precisamente lo que hicieron algunos psicólogos sociales (Stanley Milgram, Philip Zimbardo) en la segunda mitad del siglo XX, interesados por explorar el poder del contexto para convertirnos en seres que dañan a otras personas más allá de los límites establecidos (y, de paso, mostrar nuestra capacidad para autojustificar cualquier conducta, como Rick comienza a hacer en la prisión).

The Walking Dead atrae y repugna, entretiene y aterroriza a partes iguales porque, además de mantener un ritmo perfecto, con cambios de escenario que trastocan su significado inicial -el bosque a las afueras de la ciudad no es un lugar donde descansar apaciblemente y, sin embargo, la cárcel se convierte en un refugio lleno de comodidades que da más libertad a los protagonistas- y una clara evolución de los personajes -¿cuál es vuestro preferido?-, nos obliga a preguntarnos permanentemente sobre que seríamos capaces  de hacer si se nos presiona demasiado.
Un artículo de Jot Down desarrolla algunas de estas ideas, aunque aplicadas a la serie de televisión.

Robert Kirkman (Estados Unidos, 1978) es el co-creador y guionista de cómics como el irreverente Battle Pope e Invincible, que comenzó a publicarse el mismo año que The Walking Dead y también continúa activa. Además de trabajar en sus propias series, ha colaborado con Marvel; es ganador de un Premio Harvey al mejor guionista y un premio Eisner a la mejor serie regular por TWD.
Tony Moore se encargó del dibujo durante los seis primeros números y las 24 portadas iniciales; fue sustituido por Charlie Adlar, que se mantiene hasta ahora. Aunque sus estilos son muy diferentes, el dibujo en blanco y negro sigue combinando a la perfección con el tono de la obra y los abundantes diálogos que caracterizan las obras de Kirkman.

Pluto

Naoki Urasawa y Takashi Nagasaki, Pluto (2003-2009)
Mejor cómic intergeneracional en el Festival Internacional del Cómic de Angoulême 2011

Aparecido como homenaje a Astroboy, una de las creaciones más famosas de Osamu Tezuka (Zona Negativa publicó una detallada comparación entre el original y esta versión actualizada), Pluto es, durante gran parte del relato, un thriller de ciencia ficción que sigue los pasos del androide que intenta detener a quien está asesinando a los robots más poderosos del planeta.

Urasawa utiliza su reconocible estilo -encuadres cinematográficos, giros argumentales, el papel de la infancia, la acción como desencadenante de conflictos interpersonales- para proponer al principio de la obra una reflexión sobre la posible humanidad y los peligros asociados al desarrollo de la inteligencia artificial. Sin embargo, el tramo final de la obra, que reduce el peso de lo detectivesco y da mayor protagonismo a la geopolítica, tiene un aire mucho más Tezuka, centrándose en determinar qué nos mueve: el odio, la rabia y el dolor o la esperanza y la compasión. El manga comienza hablando sobre la capacidad de los robots para entender y expresar sentimientos genuinos y termina con un análisis ético de la naturaleza humana.

Aunque a Pluto se le puede achacar que es demasiado repetitivo en alguno de sus mecanismos narrativos y que, por eso, la sorpresa deja de ser tal en algún momento del relato, os recomendamos algunas reseñas que coinciden en señalar la calidad del manga y su capacidad para atrapar al lector: Entrecómics, El lector impaciente, La habitación número 26 y, sobre todo, el completo análisis de Ramen para dos.

Naoki Urasawa (Fuchu, 1960) y Takashi Nagasaki (Sendai, 1956) forman la pareja artística más exitosa del manga contemporáneo tras colaborar en Master Keaton, Monster, 20th Century Boys, 21th Century Boys, Pluto y Billy Bat, todos ellos editados ya en castellano.

Pioneros del cómic

Pionero, ra: 1. Persona que inicia la exploración de nuevas tierras. 2. Persona que da los primeros pasos en alguna actividad humana.

W. R. Hearst

Hacemos coincidir en esta tertulia las obras más representativas de los dos autores que, junto a George Herriman, marcaron la evolución del cómic moderno en los primeros cincuenta años del medio (siempre, claro, que aceptemos el punto de vista tradicional que sitúa a Hogan's Alley como punto de partida).
Ambas creaciones aparecieron como tiras dominicales a página completa y a color en la prensa norteamericana. Mientras que Little Nemo se publicó inicialmente solo en New York Herald, El Príncipe Valiente fue distribuida desde el principio a muchos diarios estadounidenses a través de la agencia King Features Syndicate (se puede acceder en castellano a casi todas las tiras que gestiona en la actualidad), propiedad de W. R. Hearst. A partir de 1911, McCay comenzó a trabajar para el mismo empresario.


Si quieres conocer en profundidad el contexto en el que surgió el cómic moderno, muy relacionado con la expansión de la prensa diaria en Estados Unidos, te recomendamos, además del artículo de Ubaldo C. Boyano en Tebeosfera, el primer tomo de la colección Del tebeo al manga: una historia de los cómics, dedicado a la Edad de Oro; lo puedes encontrar en la Biblioteca de Pamplona-Yamaguchi.


Winsor McCay, Little Nemo in Slumberland (primera época: 1905-1914)

K. Roeder es autora de un reciente libro sobre las relaciones entre Little Nemo, las distintas expresiones de la cultura popular y el modernismo. Señala como influencias y/o coincidencias argumentales (la visita a una mundo exótico seguida del retorno a la realidad), reflejo del interés de la época por la fantasía y lo maravilloso como reacción ante el creciente materialismo, relatos como Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas (L. Carroll, 1865), El maravilloso mago de Oz (L. F. Baum, 1900) o Peter Pan (primera representación teatral en 1904).

Barnum & Bailey Circus

Estilísticamente, destaca la relación con los posters del circo Barnum & Bayley, las ilustraciones comerciales de Maxfield Parrish, los parques de atracciones de Coney Island o la película Viaje a la Luna, de G. Méliès (1902).
Además, señala que es el primer autor (después de las frases en el camisón de The Yellow Kid) en hacer explícita y jugar continuamente con la relación entre los distintos elementos del cómic: simetrías y repeticiones, título, viñetas y bocadillos de texto. En los años 40, Will Eisner haría algo similar con The Spirit.
Como muestra el guionista Pepe Gálvez, McCay consigue transmitir la sensación de movimiento con la multiplicación de encuadres y el cambio progresivo en la forma y tamaño de los objetos, e introduce la técnica de la narración subjetiva, expuesta desde el punto de vista del personaje.

Para un análisis en profundidad de la obra y su autor, el libro Little Nemo 1905-2005. Un siglo de sueños es una referencia fundamental. Además, Álvaro Pons, Fernando A. García y Federico Reggiani han escrito interesantes artículos sobre la obra.
Como curiosidades, Google dedicó en 2012 su doodle  a Little Nemo y Art Spiegelman adaptó este mundo imaginario en Sin la sombra de las torres como parte de su denuncia de la actitud de Estados Unidos tras el 11-S.


Harold R. Foster, Prince Valiant in the Days of King Arthur (1937-1971)

Si McCay exploró las posibilidades del cómic para ir más allá de lo real, Foster hizo crecer al medio en una dirección complementaria: ilustrador ante todo, aportó la atención a los detalles y la maestría en el dibujo de paisajes, el estudio de la anatomía y el movimiento humanos, el uso del color... ¡en planchas que medían 70 x 90 cm!

Utilicé una idealizada versión de mi mismo como modelo para Príncipe Valiente. Suprimí lo que no me gustaba y conseguí algo parecido a mi cuerpo, pero con músculos.

(Harold Foster, citado en Del tebeo al manga, vol. 1)

Las aventuras de Val, el príncipe valiente, son narradas por el autor original (luego otros se hicieron cargo de la serie) durante más de treinta años en una novela río, una saga familiar que recuerda las epopeyas clásicas, tanto en la estructura como en el tono de los textos.
En esta serie semanal, el tiempo avanza a la misma velocidad que en el mundo de los lectores, por lo que conocemos a los descendientes del protagonista inicial en un contexto que mezcla las leyendas artúricas, el relato fantástico y versiones libres de hechos históricos desarrollados alrededor del siglo V.

Eduardo Martínez-Pinna sitúa en su artículo la obra dentro de las tendencias estilísticas del cómic de la época, además de señalar algunas influencias gráficas.

Winsor McCay (Ontario, 1867 - New York, 1934) es el autor de tiras de prensa como Little Sammy Sneeze y Dreams of a Rarebit Fiend, donde incluye recursos y temas que explotará definitivamente en Little Nemo in Slumberland.
Fue también un pionero del cine de animación, aunque las presiones de su tiránico editor y el no haber registrado sus hallazgos formales le hayan alejado del reconocimiento general. Se puede acceder a sus cortometrajes fácilmente: Little Nemo (1911), How a Mosquito Operates (1912), Gertie the Dinosaur (1914), The Sinking of the Lusitania (1918), etc.



Harold R. Foster (Halifax, 1892 - Florida, 1982) comenzó a trabajar como ilustrador publicitario a los dieciocho años. En 1929 comienza la adaptación al cómic de Tarzan, el personaje creado por E. R. Burroughs, donde  ejemplifica el naturalismo realista frente a la caricatura humorística que dominaba en la época. Abandona definitivamente la serie cuando recibe, como en su momento McCay, una oferta del magnate de los medios de comunicación W. R. Hearst para iniciar El príncipe valiente. Hasta 1970, fue su único autor, y durante otros diez años colaboró en su continuación con bocetos a lápiz y guiones.