Zeina Abirached

Zeina Abirached, El juego de las golondrinas (2007)
Selección Oficial Festival de Angoulême 2008
Zeina Abirached, El piano oriental (2015)
Selección Oficial Festival de Angoulême 2016

"El dibujo es una forma de capturar lo que desaparece. (...) Debe contar una historia y recuperar imágenes antes de que se pierdan."

"Estudié publicidad cinco años. Encontré rápidamente  imágenes eficaces a nivel narrativo, que funcionaban con un mínimo de artificios gráficos."

"Lo fascinante de trabajar solo con blanco y negro es que, como únicamente hay dos colores para expresar una idea, hay que prestar especial atención a la composición de cada viñeta y al equilibrio de las viñetas en la página. Hasta el cambio más pequeño es importante. A menudo hago varias pruebas y a veces, cuando he terminado la página, siento la necesidad de dar la vuelta a los colores de algunas viñetas."

Álvaro Pons señalaba hace años que es un error considerar a Zeina Abirached una nueva Marjane Satrapi, pese a las (solo) aparentes similitudes en estilo y las coincidencias biográficas -proceden de familias de nivel sociocultural elevado y se formaron parcialmente en escuelas de arte francesas- o temáticas: ambas han elaborado narraciones autobiográficas que muestran los efectos sociales negativos de dos conflictos políticos y religiosos (Irán y Líbano), e incluso reconstruyen -de forma más o menos ficticia- la vida de un pariente relacionado con la música (Pollo con ciruelas).
La propia autora afirma:  "Llegué a París en 2005 y pasé un año en la [Escuela de] Artes Decorativas... En esa época, todo el mundo me decía que mis dibujos se parecían a los de Satrapi... ¡y yo no la conocía! Un día, cuando ya estaba harta, compré Persépolis para saber a qué se referían. Mi principal influencia es David B., que parece haber influido a la propia Satrapi."

"(...) hubo un tiempo en que una línea de tren cruzaba el Líbano (y, algo totalmente inconcebible a día de hoy, unía, pasando por Beirut, Damasco, Alepo y Jerusalén)."

Abirached nos transporta a Beirut en dos momentos muy diferentes: quince años antes de la guerra civil libanesa y en mitad del conflicto. Muestra cómo la violencia transforma la ciudad -las barricadas y los edificios en ruinas de las páginas iniciales de El juego...- y limita las posibilidades de moverse libremente -qué distintos los paseos de Abdalah Kamaja del macabro baile que deben ejecutar los padres de la autora-.
Los efectos negativos de la guerra son también muy claro cuando se comparan personajes y objetos repetidos en ambos cómics: el humor que destila la relación preguerra entre los gemelos Vincent y Ernest se transforma en melancolía; hay una caja de zapatos en cada obra, pero también significan cosas diferentes.
Al mismo tiempo, vemos el proceso de construcción de una identidad personal flexible, que retoma elementos del pasado familiar, de las lenguas que habla y de las propias experiencias vitales.

"Cuando comencé a escribir El juego de las golondrinas organicé con bastante facilidad el espacio de la habitación, que funciona como el escenario de una obra de teatro, en el que los personajes entran por uno u otro lado."

La imaginaria línea verde que dividía Beirut de norte a sur es un buen ejemplo del absurdo de la guerra. Personas de distinto origen socioeconómico y edad terminan unidas, sin importar sus creencias religiosas o si se encontraban antes en el lado este u oeste de la ciudad. Han experimentado la pérdida y comparten la necesidad de huir, como recuerda permamentemente el tapiz que sirve de decorado. En cuanto al estilo, el lento paso del tiempo se refleja en los pequeños cambios de las miradas y los gestos.

"Siempre me ha gustado trabajar sobre un motivo central, sobre las cosas que se repiten, sintetizar las formas. En El piano oriental, quería dibujar la música. Reflejar los sonidos a través del dibujo. Quería que el lector tuviese la impresión de estar delante de una partitura. Gracias al blanco y negro, también trabajé sobre el ritmo."

La historia de su bisabuelo permite a Abirached dotar de significado a sus propias vivencias- educación, viajes, búsqueda de la identidad-. Publicada ocho años después de su primera novela gráfica, en El piano oriental los recursos estilísticos son aún más importantes: la perspectiva cenital aclara la dinámica de la relación entre el matrimonio, los bocadillos de texto protagonizan varias escenas, aprovecha de múltiples formas las posiblidades de organización del espacio en la hoja, etc.
Una curiosidad: mientras que Abdalah Chahine tenía como objetivo construir un piano microtonal que no se diferenciase externamente de uno tradicional, ha habido otros ejemplos en el último siglo.


Para ver y leer después...

• Zeina Abirached realizó el cortometraje Mouton en 2006.

• Me acuerdo: Beirut (2008) está en las bibliotecas de Yamaguchi (en francés), Noáin y Navarra (en castellano).
• El día que Nina Simone dejó de cantar (2008) está basado en un monólogo teatral de Darina Al-Joundi y Mohamed Kacimi. Narra la infancia y juventud de la primera en Beirut entre los años 70 -con diecisiete grupos religiosos en conflicto- y la primera década del siglo XXI.

Arte y ficción

Jason, No me dejes nunca (2006)
Premio Eisner 2007 a la mejor edición de material internacional
Scott McCloud, El escultor (2015)

En la primera parte de No me dejes nunca, Jason refleja algunos de los episodios autobiográficos que Ernest Hemingway relató en París era una fiesta (A Moveable Feast, 1964).
Con su habitual concisión, el noruego es capaz de transmitir fielmente la actitud del premio nobel ante personajes históricos como Hadley Richardson- su primera esposa- F. Scott y Zelda Fitzgerald, Ezra Pound, James Joyce o Gertrude Stein. Siguiendo los textos de Hemingway retrata, con sus habituales personajes antropomórficos, a los más conocidos representantes de la "generación perdida", esa comunidad de artistas anglosajones expatriados temporalmente en el París de los años 20.
Así puede plantear una reflexión sobre las actitudes de estos peculiares personajes, que optaron en muchos casos por mostrarse orgullosos de sus dificultades económicas, al tiempo que se sentían miembros de una elite destinada a generar una nueva estética y ética.
En la segunda mitad del cómic, sin embargo, las influencias son muy distintas. Manteniendo ese tono de sutil humor e irrealidad que impregna toda su obra, Jason toma prestado (y exagera) el ritmo y argumento de películas clásicas como La jungla de asfalto o Atraco perfecto. Zelda se convierte en el paradigma de la femme fatale -Hemingway así la consideraba, al menos en cuanto a la influencia que tenía sobre Fitzgerald- y el resto de personajes en... bueno, ¡para saberlo tendréis que leer la obra!
Un detalle curioso: el título original (The Left Bank Gang) hace referencia a la margen izquierda del Sena, donde se situaban los barrios bohemios de la capital francesa, la zona preferida por Hemingway y su círculo. La editorial Astiberri optó por un título que centra la mirada en la relación entre Ernest y Hadley. Quizá de forma involuntaria, aumenta el tono melancólico de la historia: en 1926, tras cinco años de estancias intermitentes en París, se divorciaron.

«Un millón de personas, y todas compartimos el mismo sueño. Crear, conectar, ser recordados.»

Esa misma tristeza impregna El escultor, la obra más reciente de Scott McCloud. Quizá por tener demasiado presente que se trata del autor de Entender el cómic y Hacer cómics, es sencillo identificar cierta intención didáctica e insistencia en los temas que le interesan. Además, contemplamos cómo aplica en el cómic su clasificación de las transiciones y sus ideas sobre la función expresiva de los distintos tipos de planos, separaciones entre viñetas y posiciones en el continuo abstracción-realismo.
En todo caso, se trata de una novela gráfica que plantea preguntas importantes sobre el arte: la posibilidad de un criterio absoluto, la necesidad o no de un espectador para dar sentido a la obra, el peligro de caer en la dictadura del mercado, los distintos significados que la expresión artística tiene para los creadores (elaborar un relato sobre el propio pasado y construir una identidad, obtener reconocimiento, lograr poder ecónómico o un estatus elevado, ayudar a otras personas, perdurar, tener un trabajo remunerado...). Son temas que ya tocaban El arte: conversaciones imaginarias con mi madre y Las Meninas, que leímos el año pasado en la tertulia.

Sin embargo, creo que el mayor valor de esta obra se encuentra en las reflexiones sobre el valor de la vida, su ineludible carácter efímero y el descubrimiento de que su sentido pasa por el encuentro sincero con otras personas.
El autor logra generar emoción en el lector apoyándose en dos personajes muy bien construidos a partir de sus contradicciones: David y Harry.
Para terminar, otra curiosidad: visitad la web de David Smith, el escultor con el que confunden al protagonista y que fue el principal exponente del expresionismo abstracto norteamericano.

Programación 2017-2018

La variedad está asegurada en los cómics del curso 2017-2018, que se han seleccionado a partir de las propuestas y/o votaciones de los miembros de la tertulia.
Recuperamos autores (Jason, Tamaki) y personajes (Corto Maltés) ya leídos, añadimos clásicos que estaban pendientes (McCloud, Manara), seguimos reflexionando sobre el arte y la literatura (octubre y abril),  no olvidamos que en enero se celebra el Festival de Angoulême, "estudiamos" en profundidad una obra fundamental (Maus) y nos acercamos a la realidad con meses dedicados al Líbano y las adopciones.

4 de octubre 2017: Arte y ficción
- Jason. No me dejes nunca
- Scott McCloud. El escultor

8 de noviembre: Zeina Abirached
- Z. Abirached. El juego de las golondrinas
- Z. Abirached. El piano oriental

13 de diciembre: Cómic erótico
- Guido Crepax. Valentina
- Milo Manara. El clic
- Sybilline et al. Primeras veces

10 de enero de 2018: Angoulême
- Roz Chast. ¿Podemos hablar de algo más agradable?
- Brigitte Findakly y Lewis Trondheim. Las amapolas de Irak

7 de febrero: Revisar un clásico
- Art Spiegelman. Maus
- Art Spiegelman. Metamaus

7 de marzo: Autoras muy actuales
- Jillian y Mariko Tamaki. Skim
- Kelly Sue DeConnick y Emma Ríos. Bella Muerte 1

11 de abril: Novelistas
- Michèle Gazier y Bernard Ciccolini. Virginia Woolf
- Jesús Marchamalo y Marc Torices. Cortázar

9 de mayo: Adopción
- Jung. Piel color miel
- Cristina Durán y Miguel Ángel Giner. La máquina de Efrén
- Mamoru Hosoda. El niño y la bestia



6 de junio: Corto Maltés
- Hugo Pratt. Corto Maltés en Siberia
- Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero. Corto Maltés. Bajo el sol de medianoche
- Pascal Morelli. Corto Maltés en Siberia

La tertulia cumple diez años...

... y lo celebraremos hablando con Fernando Tarancón, librero y editor. Gracias a su trabajo en Astiberri hemos podido acceder a muchos de los cómics (¡alrededor de 50, si no nos fallan los cálculos!) leídos durante esta década.
Será un encuentro abierto a todas las personas que han participado en la tertulia. Seguro que en el diálogo encontramos un montón de buenas ideas. ¡Nos vemos!

Jiro Taniguchi

Jiro Taniguchi, El viajero de la tundra (1994-2003)
Jiro Taniguchi y Hiromi Kawakami, Los años dulces (2008)

Taniguchi (1947-2017) es el mangaka más conocido entre el público occidental, superando a Tezuka en Europa gracias a, sobre todo, el éxito de Barrio lejano. Pero, quizá ocupados por sus obras más intimistas (El almanaque de mi padre, El caminante) muchos lectores desconocen que, durante sus más de treinta años de carrera como guionista y/o dibujante, ha sido capaz de abordar géneros muy dispares: policiaco, aventuras clásicas, ciencia-ficción, wéstern, costumbrismo, slice of life...
Muchas veces inspirado por sus lecturas -Raymond Chandler, Jack London, Herman Melville, Natsume Soseki- incluso ha adaptado novelas: La cumbre de los dioses, de Yumemakura Baku y Los años dulces (El maletín del maestro, Hiromi Kawakami; publicada en castellano como El cielo es azul, la tierra blanca. Una historia de amor).

El viajero de la tundra, que recopila seis relatos breves aparecidos  en las revistas seinen Big Comic y Big Comic Spirits, es una buena muestra de esa variedad de intereses e influencias.
El páramo blanco se basa muy libremente en el inicio de Colmillo blanco; en Regresar al mar, la ballena jorobada Old Dick y la fascinación de su protagonista por los cetáceos recuerdan a Moby Dick; el joven dibujante de Shôkarô se asemeja al de Un zoo en invierno, imagen de su autor.
Al mismo tiempo, las historias tratan algunos de los temas más habituales en Taniguchi: el primer amor en la etapa que separa la infancia de la adolescencia, el respeto y aprecio por la naturaleza, las relaciones familiares, la separación y la pérdida.

En la adaptación al manga de la cuarta novela de Hiromi Kawakami, Jiro Taniguchi se mantuvo escrupulosamente fiel al relato original, protagonizado por una mujer que, con casi cuarenta años, sigue siendo una adolescente y parece eludir cualquier vínculo firme.
Nuestro autor del mes destaca los aspectos más vinculados a su estilo, refuerza su habitual ritmo tranquilo, que anima a disfrutar con atención cada viñeta, y recuerda obras anteriores como El caminante o El gourmet solitario: los locales a los que acuden el maestro y Takashi Kojima son tan diferentes en sus platos como las vidas que le ofrecen los dos hombres a Tsukiko.
Como aspecto destacable, se trata de la única historia dibujada por Taniguchi en la que el punto de vista narrativo es el de una mujer.

Novedades Cómic abril-mayo 2017

     

Che, una vida revolucionaria. Libro 1, de J.L. Anderson. Sexto Piso, 2017. La novela nos permite ser testigos de las primeras experiencias de Guevara en los grandes conflictos sociales y militares que vivía Latinoamérica en los años cincuenta: Guatemala, Bolivia,  Méjico... Y es en Méjico donde Ernesto conoce a un grupo de revolucionarios que acaban de intentar la gesta imposible de desestabilizar al todopoderoso dirigente cubano Batista con el asalto al cuartel Moncada. A la cabeza de estos locos idealistas se encuentra un joven llamado Fidel Castro. El histórico encuentro entre Castro y Ernesto Guevara supone uno de esos episodios con los que se escribe la historia.

Rulfo, de Oscar Pantoja y Felipe Camargo. Rey Naranjo, 2017. El comienzo del siglo XX se presenta muy convulsionado en México. Batallas campales, violencia religiosa y un sino de muerte marcan los primeros años del pequeño Juan Rulfo. La muerte de sus padres y su refugio en la lectura le marcarán su destino como escritor de las más intensas historias. (Reseña de la editorial)

     

Lamia, de Rayco Pulido. Astiberri, 2016. Barcelona, 1943. El asesino más sanguinario que ha visto la ciudad anda suelto. Mauricio “Herr Doktor”, un detective privado poco convencional, aparcará su agenda para dar caza al criminal. Por ahora, sus clientes deberán esperar, entre ellos, Laia.

Laia tiene 32 años y, pese a ser huérfana, ahora tiene todo lo que siempre ha deseado: un esposo que la quiere, un bebé en camino y un buen trabajo donde escribe para el programa radiofónico de más éxito, El consultorio de Elena Bosch.

Laia es feliz... pero Laia vive una mentira que la llevará a tomar extrañas decisiones. Y las consecuencias serán trágicas... (Reseña de la editorial)

Un millón de años, de David Sánchez . Astiberri, 2017. Cielo, tierra y rocas. Un teléfono suena en el desierto. Brotan de la arena escarabajos azules, cíclopes, caníbales, animales practicando la cartomancia. Y Dios. Que sea el Alfa y el Omega, Yavé o “una energía amorosa e inteligente”, la figura divina vertebra el nuevo cómic de David Sánchez y aparece como una fuerza inasequible, incomprensible, que tiene sus propios planes a pesar de los rezos y artimañas de los personajes para escapar a su voluntad.

Animales de gran carga simbólica pueblan Un millón de años: la serpiente, el escarabajo, el águila, pero también transitan por sus páginas un cerdo enmascarado, una gaviota carroñera o un pulpo con anillos en los tentáculos. “Con este cómic quería entrar en un terreno más ficticio. Además, me gusta pensar que los personajes están bajo el efecto de algún enteógeno y que eso les proporciona la experiencia mística o divina, y la visión animal”, destaca el autor. (Reseña de la editorial)

Los cuadernos de Esther, de Riad Sattouf. Sapristi, 2017. Esther tiene 10 años, ojos grandes y un flequillo coqueto.

A punto de empezar 4º de Primaria en su escuela de París, se pregunta a diario por miles de cuestiones que le preocupan a una niña de su edad: la amistad, el embarazo de su madre, los ataques terroristas, los jerseys de cuello alto, las enfermedades. (Reseña de la editorial)

     

Cuanta tierra necesita un hombre, de Martin Veyron. Norma, 2017. Pajom vive con su mujer e hijo en su parcela de tierra en Siberia. Aunque no es grande, lo que cultiva le da para mantener a su familia. Sin embargo, su huerto no es lo suficientemente vasto para su ambición. «Si solamente tuviera más tierras —suspira mientras eleva la vista por encima de la cerca de su pequeña propiedad—, podría ser al fin feliz del todo».

Martin Veyron (Gran Premio del Festival de Cómic de Angoulême 2001) adapta con éxito el relato de uno de los grandes autores clásicos, León Tolstói (Guerra y Paz, Anna Karenina). Una fábula atemporal sobre la codicia y la ambición de los hombres calificada por James Joyce como «una de las mejores historias de la literatura contemporánea». (Reseña de la editorial)

     

Kobane calling, de Zerocalcare. Reservoir Books, 2017. En su último cómic, Zerocalcare relata en primera persona, con una mirada lúcida y solo a veces irónica, una de las batallas por la libertad más importantes que se están librando en el mundo. En silencio. La Guerra de Siria.

Kobane Callinges un libro importante, difícil de definir en pocas palabras, que recoge la crónica de dos viajes de Zerocalcare al Kurdistán, más concretamente a la franja de Rojava, el territorio donde viven cuatro millones y medio de kurdos, antes de recuperar Kobane de manos del Estado Islámico y después de reconquistar la ciudad.

En él el autor muestra la zona como no lo hacen los telediarios: los escombros de Kobane son los de un pueblo entero en pie de guerra que defiende su derecho a existir, que defiende unas fronteras frágiles que ningún atlas geográfico reproduce.

Una magnífica crónica en formato cómic de la revolución que quieren abanderar los kurdos en Rojava: una utopía democrática sin igual en Oriente Medio, en el ámbito musulmán y quizá incluso en el mundo. (Reseña de la editorial)

     

La mujer de al lado, de Yoshiharu Tsuge. Gallo Nero, 2017. Escritas a lo largo de un periodo de cuatro años, tiempo en el que Yoshiharu Tsuge padecía ya de una frágil salud física y mental, las seis historias reunidas en este volumen bajo el título de La mujer de al lado componen un cuadro de trazos autobiográficos tanto de los inicios del autor en el mundo del manga, como de los sucesivos fracasos y sinsabores existenciales que atravesó.

Aparentes distorsiones de la realidad de Japón, las seis historias reflejan una vida cotidiana materializada como el reverso del éxito social y nos devuelven el relato deshilvanado de todos aquellos que quedaron al margen del gran progreso económico del país. (Reseña de la editorial)

     

Chiisakobee, de Minetaro Mochizuki. ECC, 2016. 4 v. Publicado originalmente en la revista Big Comic Spirits, este conmovedor drama narra el regreso del protagonista a su hogar motivado por la convicción de retomar la empresa familiar; contexto que coincide con la llegada de Ritsu, amiga de la infancia a quien contrata como asistente, y de un grupo de niños que se escapan de un orfanato.

Versión libre de una novela de Shûgorô Yamamoto ambientada en el periodo Edo que a su vez contó con una adaptación cinematográfica (Tomotaka Tasaka, 1962), Minetarô Mochizuki opta por trasladar la acción al Japón contemporáneo, dando forma a una serie galardonada con el Premio a la excelencia en el Japan Media Arts Festival de 2013, e incluida en la selección oficial del Festival Internacional de la Bande Dessinée de Angouleme 2016. (Reseña de la editorial)

     

Valerosas 1: mujeres que sólo hacen lo que ellas quieren, de Pénélope Bagieu. Dibbuks, 2017. Desde científicas, actrices o activistas, estas mujeres son valerosas, atrevidas, decididas y lucharon por conseguir sus sueños y salir adelante en sus respectivos periodos históricos. Muchas de ellas hicieron saltar por los aires los prejuicios sociales y nos demostraron que echarle valor y perseverancia no es cosa solo de hombres. Algunos ejemplos son: Wu Zetian, emperatriz china que creó un esbozo del actual derecho laboral e instauró los méritos para poder acceder a cargos públicos; Margaret Hamilton, la actriz “aterradora” especializada en papeles del mal que hizo de su extraña belleza un referente en Hollywood; o Agnodice, ginecóloga griega que tuvo que vestirse de hombre para poder trabajar y conseguir que las mujeres pudieran ejercer la medicina n su país. (Reseña de la editorial)

Nuestros miedos ocultos, de Fran Krause. Sapristi, 2017. Todos tenemos miedos irracionales, desde ese fantasma que creemos que vive en el espejo del lavabo hasta imaginar que somos absorbidos por las escaleras mecánicas del centro comercial. Fran Krause ilustra de un modo hilarante 101 miedos vitales que los subscriptores de su Tumblr le han ido contando online durante meses. Este libro revela esa parte primaria de nuestro inconsciente, subrayando nuestra idiosincrasia y nuestras similitudes como seres humanos vulnerables. (Reseña de la editorial)

     

La levedad, de Catherine Meurisse. Impedimenta, 2017. El día 7 de enero de 2015, la alarma del despertador de la dibujante Catherine Meurisse no sonó, haciendo que llegara tarde a la reunión del equipo de diseñadores de la revista Charlie Hebdo.

Este descuido le salvó la vida, pero no la libró, como al resto de los supervivientes del fatídico atentado contra la sede de la publicación, de afrontar la violencia de un terrible suceso que la dejó amigos, maestros, mentores y, de paso, sin inocencia. Decidida a encontrar un nuevo punto de partida, la autora, que ha perdido casi todos sus apoyos, emprende, en medio del caos y la aridez estética que siguió a aquellos días, un viaje en busca de lo contrario: la belleza.

La levedad es un refugio contra la necedad humana, pero también una celebración de la belleza y del arte de crear. (Reseña de la editorial)

     

Oscuridades programadas: crónicas desde Turquía, Siria e Iraq, de Sarah Glidden. Salamandra Graphic, 2017. ¿Qué es el periodismo? ¿Cómo se propagan las historias? ¿Cuándo se confunden la memoria y la verdad? La dibujante estadounidense Sarah Glidden acompaña a dos amigos reporteros —fundadores de una organización de periodismo sin ánimo de lucro— en un viaje por Turquía, Siria e Iraq con el fin de descubrir historias que ilustren el efecto causado por la guerra de Iraq en Oriente Próximo en general, y en los refugiados en particular. Al trío se une un amigo de la infancia y exmarine, cuyo servicio en Iraq aporta un punto de vista inesperado y a menudo desconcertante, tanto para las personas que van conociendo en el camino como para ellos mismos. A lo largo del periplo, Glidden observa que los reporteros repiten la misma pregunta: «¿Quién eres?» Y todos sus interlocutores tienen una historia interesante que contar: el bloguero iraní, un representante de las Naciones Unidas, un taxista, un iraquí expulsado de Estados Unidos, los iraquíes que buscan amparo en Siria e incluso el marine estadounidense. Ganadora del premio Ignatz al Mejor Nuevo Talento por Una judía americana perdida en Israel, Sarah Glidden registra todo lo que se va encontrando con una mirada minuciosa y receptiva. Este libro, ilustrado con las acuarelas tenues características de Glidden y escrito con honestidad y candor, afianzará a su autora como una de las voces de no ficción más originales del momento. (Reseña de la editorial)

     

Todo el mundo tiene envidia de mi mochila voladora, de Tom Gauld. Salamandra Graphic, 2015. Todo el mundo tiene envidia de mi mochila voladora es una selección de las tiras cómicas de Tom Gauld, que durante los últimos años ha hecho las delicias de los lectores del prestigioso diario británico The Guardian. Con una mirada irónica y una predilección por la excentricidad y el absurdo, las historietas de Gauld conforman un microcosmos en el que se entremezclan lo clásico y lo contemporáneo, las referencias culturales y las veleidades del comportamiento humano, y donde coexisten novelistas frustrados, detectives victorianos y robots. (Reseña de la editorial)

Sin vivienda

Miguel Fuster, 15 años en la calle. Obra completa (2016)
Isaac Rosa y Cristina Bueno, Aquí vivió. Historia de un desahucio (2016)

"Los han desahuciado de sus casas, pero también de sus vidas, las que esperaban vivir. Las que soñaban. Del futuro. Se ven fracasados, perdedores en esta sociedad del éxito."

La exclusión es el "proceso social de separación de un individuo o grupo respecto a las posibilidades laborales, económicas, políticas y culturales a las que otros sí tienen acceso y disfrutan"(1). La falta de vivienda aparece como uno de los indicadores más visibles de esa desigualdad y, al mismo tiempo, de los que generan mayor sufrimiento y más dificultan la participación social efectiva de las personas a las que afecta.
Rubén Unanua, nuestro invitado a esta tertulia, es director del Centro de atención a personas sin hogar de Pamplona y nos aportará una visión directa sobre esta situación y los modelos de intervención tradicionales y más recientes.

Los dos cómics propuestos, aunque de naturaleza distinta -un relato autobiográfico frente a una ficción documentada- nos recuerdan que esa desigualdad tiene, al menos en parte, un carácter estructural, fruto del modelo social que generamos o sostenemos cuando nos comportamos como espectadores pasivos. A pesar de vivir en el mismo mundo, de compartir ciudades y espacios públicos, parece que habitamos universos distintos:

"Cuando uno camina por la calle no lo ve. A veces no sabes ni lo que pasa en tu propio edificio."

15 años en la calle. Obra completa es un integral de las historias que Fuster comenzó a publicar en su blog en 2007 y que se recopilaron inicialmente en tres álbumes entre 2010 y 2012. Componiendo primero escenas breves, que evolucionan hacia historias cada vez más largas, los ríos de texto y las imágenes repletas de trazos entre los que se esconde la estética característica de sus inicios inciden desde diferentes ángulos en la realidad de las personas que sobreviven en la calle, sin un techo.

Dibujante de éxito en la agencia Selecciones Ilustradas durante los años 70, Miguel Fuster ha aprovechando muchos años después su talento para elaborar un autorretrato de los años que vivió en la calle: un retrato físico -él protagoniza casi todas las viñetas-, psicológico -plasma con detalles sus pensamientos- y vital -presenta sus acciones sin ninguna censura- .

Es difícil mostrar de forma más clara y eficaz el progresivo desarraigo y el peligro de la pérdida de referencias y esperanzas:

"Yo sentía cada vez menos. Hasta las preciadas imágenes de mi pasado empezaban a emborronarse (...) Cada vez me sentía más desligado de todo, tenía la impresión de ser algo intangible, una cosa que se iba alejando de los vivos..."

Los recuerdos, el alcohol, la agresividad y el aislamiento de quienes viven en la calle se revelan como mecanismos que permiten soportar una vida marcada por el miedo permanente, aunque al mismo tiempo contribuyan a ahondar la marginación:

"Porque cuanto más adaptado a mi vida actual parecía, más me alejaba de mí."

Además, a la vez que habla de sí mismo, nos muestra al resto de nosotros como posibles generadores de soledad, rechazo, desprecio, vergüenza y culpabilización o, simplemente, desinterés. Este retrato de una dinámica social basada en el potencial de consumo y cuestionada por la crisis es uno de los argumentos que conectan su cómic con Aquí vivió. Historia de un desahucio:

"-¿Y saben a quién tenían que haber desahuciado?
- Ah, ni lo sé ni me importa. Yo bastante tengo con mi susto."

Alicia, la joven protagonista que teje realidad y ficción -el principal logro narrativo de la obra y su elemento más original-, también se consuela y sufre con el recuerdo y la fantasía, descubre que la acumulación de pérdidas y decisiones que solo a posteriori identificaremos como erróneas puede conducir a cualquier persona a una difícil situación y, sobre todo, muestra el potencial de iniciativas sociales como la Fundación Arrels o las Plataformas de Afectados por la Hipoteca.
Es interesante la lectura de dos reseñas complementarias, publicadas en Zona Negativa y Zenda libros (aunque personalmente no esté de acuerdo con las objeciones de esta última). Recomendables también las declaraciones del guionista, donde hace referencia al valor del cómic como forma de expresión.

Si os interesa continuar leyendo cómics relacionados con las personas sin hogar o la pérdida de la vivienda, podéis acercaros a estas obras:

• Sam Kieth (1993-1998). The Maxx.
• J. M. Straczynski y Gary Frank (2000-2002). Midnight Nation.
• Charles Masson (2003). Sopa fría
• Jaime Martín (2004). Invisible.
• Santiago García y Pepo Pérez (2007). El Vecino 2.
• Jorge Carrión y Sagar (2015). Barcelona: Los vagabundos de la chatarra.
• Miguelanxo Prado (2016). Presas fáciles.

(1) Entrada "Exclusión", redactada por Carlos Giménez en S. Giner, E. Lamo de Espinosa y C. Torres (eds.), Diccionario de Sociología, Alianza Editorial, 1998.